Tanto el cromatismo como el dinamismo y la
composición son un precedente de obras
características de la pintura romántica francesa,
uno de cuyos mejores ejemplos, de estética paralela al Dos
de mayo de Goya, es La muerte de Sardanápalo de
Delacroix.
Los fusilamientos del 3 de mayo en la puerta del
Príncipe Pío
Solo las víctimas aparecen a la luz, son
reconocibles como individuos, como personas que miran a la muerte
a los ojos. A los soldados Goya los deja en el anonimato. Cada
uno de las victimas tiene su propio movimiento: las manos
cerradas en un puño o unidas para reza, cubriéndose
el rostro o con los brazos abiertos como en el cuadro del
Crucificado. En cambio los soldados están
inmóviles, uno igual a otro. Para que nadie dude de en
qué piensa el pintor al presentar a las víctimas
con los brazos abiertos, les añade llagas y aclara el
fondo de las cabezas como si fueran una aureola.
La noche, el dramatismo sin ambages, la realidad de la
masacre, están situados también en una escala
grandiosa. Además el muerto en escorzo en primer
término, que repite los brazos en cruz del protagonista,
dibuja una línea compositiva que comunica hacia el
exterior del cuadro con el espectador, que de nuevo se siente
implicado en la escena. La noche cerrada, herencia de la
estética de lo Sublime Terrible, da el tono lúgubre
al suceso, en el que no hay héroes, solo víctimas:
unos de la represión y otros de la formación
soldadesca.
En los Fusilamientos no se produce el distanciamiento,
el énfasis en el valor del honor, ni se enmarca en una
interpretación histórica que aleje al espectador de
lo que ve: la brutal injusticia de la muerte de unos hombres a
manos de otros.
Goya no pinta un cuadro realista, sino un lienzo de
carácter religiosos; canoniza al pueblo que se libera del
tirano, creando así un nuevo icono nacional de la
resistencia española.
Pinturas Negras
En 1819 Goya compra una casa en las afueras de Madrid.
Se retira del mundo de la comunicación urbana, en el que
no puede participar a causa de su sordera. La nueva casa se
denominará la "Quinta del Sordo".
Luego de sufrir una crisis grave de salud y estar cerca
de la muerte por segunda vez, cubre dos salas de su nueva casa,
pinta al oleo sobre revoque 14 cuadros visionarios, que no
estaban destinados al público, y con los que Goya se
recluye. Intenta, también en su obra, hallar la
soledad.
El Aquelarre o El Gran
Cabrón.
Esta era quizás la pintura más importante
de toda la Quinta, aunque al ser pasada al óleo
perdió gran parte de su extremo derecho (lo que provoca
una extraña asimetría entre el espacio que queda a
la izquierda del Gran Cabrón y el situado a la derecha de
la joven sentada). La pintura, más que terrible, resulta
desconcertante e incluso paródica. Resulta sugestivo
comparar esta obra con aquella del mismo tema que Goya
pintó en 1798 en la que la figura del macho cabrío,
situada de frente al observador, es protagonista único de
la composición, lo que no ocurre aquí.
Saturno devorando a sus hijos
Saturno temía que sus hijos le destronaran y por
eso los devoró. Goya deja de lado todas las referencias al
mito clásico; solo plasma un monstruo antropomorfo
devorando, en delirios, un cadáver. : Goya trabaja con
pinceladas gruesas y presenta la acción en toda su
brutalidad, como si sucediera en el campo de acción del
observador. Una visión terrible.
La romería de San
Isidro.
Véase la diferencia con su cartón para
tapiz. En aquel entonces se trataba de una tarde alegre; hoy, de
una noche oscura con grupo de peregrinos cantando, que forman una
torre amenazante. Ahora ve la romería a la ermita del
santo como una lúgubre pesadilla.
Duelo a garrotazos
Dos hombres que luchan a bastonazos. Enterrados hasta
las rodillas, no pueden escapar; tampoco está claro si el
que sobreviva de los dos podrá liberarse. Ningún
espectador, ningún sentido: un enfrentamiento absurdo en
un paisaje árido.
Perro semihundido
La cabeza del perro solo ocupa un uno por ciento de la
superficie del cuadro; el reto es color sin objetos no seres
vivos. Nunca antes había osado un pintor hacer visible la
soledad con una renuncia tan radical.
Friedrich pintó en Alemania un cuadro de similar
radicalidad. También reduce el mundo, esta vez a tres
capas dispuesta una encima de las otras. Irremediablemente se
alza la duda ante tal naturaleza, a la que se ve expuesto y
frente a la cual nada tiene que decir. Goya es aun más
radical en su ruptura con las convenciones.
Conclusiones
El estilo de Goya fue formando y evolucionando
lentamente bajo la influencia de los acontecimientos que le
tocaron vivir y que le afectaron profundamente. Su arte se
encuentra en permanente evolución: paulatino progreso en
la técnica, búsqueda de nuevas formas expresivas,
continua corrección y profundización. El arte de
Goya se nos presenta lleno de contrastes: representaciones de
fiestas alegres que exaltan la vida al lado de sucesos
dramáticos y de muerte; retratos de la nobleza pero
también de los ilustrados y de los "majos" y las "majas"
que simbolizan lo popular.
En Goya apunta algo que, según Víctor
Hugo, es propio del mundo moderno: lo grotesco. Se
enfrentó con el academicismo de sus maestros y de sus
contemporáneos, oponiéndose a la estética
neoclásica. Fue pintor esencialmente colorista: la esencia
de la pintura, para él es el color.
Goya no conoció límites para sus
facultades y en esto se aprecia su romanticismo. Combina el
realismo con la imaginación creando, a partir de lo real,
un mundo propio en el que la fantasía y la crítica
juegan un papel aún más importante que la realidad
visual. Crea un arte testimonial y comprometido en el que lleva a
cabo una crítica de todos los estamentos sociales: Corte,
iglesia, nobleza, la sociedad en general.
Es indiscutible la importancia histórica de Goya:
es contemporáneo de Luis David y sin embargo es el polo
opuesto de su pintura. Influyó en muchos pintores
españoles como Alenza y Lucas y, sobre todo, en pintores
franceses del romanticismo y del realismo, especialmente en Manet
y Courbet.
Anuncia, además, una serie de movimientos
pictóricos posteriores:
• Romanticismo: por su individualismo, por la
preocupación psicológica de sus retratos, por el
apasionamiento y exaltación de algunos de sus temas. Ej.:
La carga de los mamelucos.
• Expresionismo: por su despreocupación por
la forma para conseguir un mayor valor expresivo. Ej.: Las
pinturas negras, Desastres de la guerra.
• Surrealismo: por el mundo de fantasía que
representa. Ej.: Disparates, Caprichos.
Autor:
Danislady Mazorra Ruiz
UNIVERSIDAD DE LA HABANA
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